神话母题的现代转译：诺兰镜头下的《奥德赛》隐匿了哪些英雄叙事传统？
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八月八号那天，我去看了《奥德赛》的二轮点映，成都那个影厅除开第一排，基本上连过道都挤满了人。现在这片子早就不是单纯上映一部电影那么简单了，简直成了个绕不开的文化热点。大家伙儿排队买票的劲头，跟当年看《奥本海默》差不多，只不过这次卷的是实打实的物理媒介。整部电影全程用的都是IMAX胶片摄影机拍出来的，诺兰这阵仗下得真足，光胶片就消耗了两百多万英尺，换算下来有六百多公里长。拍摄地跑遍了摩洛哥、希腊、冰岛、苏格兰这些地方，摄影指导霍伊特·范·霍特玛跟着诺兰一起折腾的那台新开发的“凯利”胶片摄像机，硬是把胶片的画质上限又往上顶了一截。你在大银幕上看到的浪涛翻涌、火山熔岩、粗糙的岩壁纹理，那种随着光线呼吸的颗粒感和暗部层次，数字摄影确实很难完全模拟出来。制片人马修·沃恩在现场也提到了，这种拍摄方式本身就是对电影物质性的致敬。
不过咱们聊聊故事本身。马特·达蒙演的这个奥德修斯，跟荷马原著里的那个混世魔王比起来，变化真的挺大。原著里那老头可是个爱吹牛、会伪装、甚至有点无赖底色的诡计之星，但在这部片子里，他整个人透着一股浓浓的现代焦虑感。战争打完了，但他没觉得自己多光荣，反倒满脑子都是愧疚和反思。你能看到他在那些壮阔的海景和废墟面前，眼神里全是疲惫和自我审判。片子里特意加了不少他战后心理创伤的细节，让他像个背负着沉重十字架的现代退伍军人，而不是一个天生就该征战的古代英雄。这种改法当然讨巧，现在的观众更容易共情他的痛苦，愿意跟着他的视角走，但说实话，原著里那种带着野性和道德模糊魅力的劲儿，确实被磨平了不少。
再就是片子里的女性角色改动，这也引发了不少讨论。以前神话里的那些女神和女巫，在这里全换了面孔。萨曼莎·莫丁演的那个喀耳刻，没了那种让人沉沦的危险诱惑，反而更像一个带着反叛精神的女性主义者；查理兹·塞隆演的卡吕普索，干脆变成了个搞海滩心理治疗的时尚女医生，给奥德修斯吃药让他暂时忘掉战争的疼。最让人惊讶的是结局的处理，原著里珀涅罗珀拿橄榄木床做测试来认夫的桥段直接删了，最后也没有让儿子去清理那些女仆的血腥场面。马特·达蒙演的奥德修斯最后干脆放弃王位，带着老婆流亡去赎罪。就像艾米莉·威尔逊他们点评的，这简直就是个披着古希腊外皮的现代精神伤员，满身时代赋予的内耗。
诺兰自己其实也明白这层取舍。他在采访里说过，拍这部片子首要任务就是娱乐性，得让两三个小时的过程足够抓人，得让大家感受到那种穿越重洋回家的冒险心跳。制片人艾玛·托马斯也直白地讲过，“回家”是整部电影最核心的锚点。他把众神从幕后推到了边缘，把命运的无常变成了人物内心的拉扯，就是想建立一个现代人能接得住的情绪共鸣。票房那边倒是没什么悬念，全球首周末干出了一十七亿多人民币的成绩，烂番茄新鲜度飙到百分之九十八，国内点映场次的上座率也破了IMAX的历史纪录。但当你坐在黑漆漆的影厅里，看着那个充满愧疚的奥德修斯最终选择拥抱平静而非权柄时，心里难免会有点打鼓：我们得到的这个更加温和、更加安全的老兵，到底保留了史诗的灵魂，还是为了迎合时代口味，把它换成了一碗温吞的安慰剂？这些问题，恐怕每个看完电影走出影院的人，都得自己在晚风里慢慢咂摸。